I ♥ Buenos Aires

BARRO es una galería de arte contemporáneo que trabaja en la representación, el posicionamiento y la comercialización de las obras de artistas contemporáneos argentinos de importante trayectoria y destacada carrera a nivel local e internacional. La galería, con sedes en Buenos Aires y Nueva York, tiene su espacio principal en el barrio de La Boca -Distrito del Arte-, con más de 400 metros cuadrados de exhibición, en una importante nave de estilo industrial y estética portuaria: el escenario ideal para el desarrollo de las propuestas más arriesgadas dentro del arte contemporáneo.

Abriendo sus puertas en 2014, Barro ha realizado más de veinte exitosas exhibiciones. Participó de importantes ferias nacionales e internacionales tales como Art Basel (Basilea y Miami), Frieze New York (Nueva York), Fiac (Paris), Art Dubai (Dubai), Contemporary Istanbul (Istanbul), The Armory Show (Nueva York), ARCOmadrid (Madrid), artBO (Bogotá), Proyectos LA (Los Angeles) y arteBA (Buenos Aires).

AGUSTINA WOODGATE (Buenos Aires, 1981) es una artista e investigadora interesada en estudiar espacios públicos y cívicos a través de practicas situadas. Su trabajo se enfoca en el estudio de sistemas, teorías de valores y lógicas de diseño que operan en el ambiente construido que moldea a la sociedad. Vive y trabaja entre Miami y Amsterdam.

Proyectos como Concrete poetry y Radioee.net son tipos de investigaciones urbanas que muestran el acto de publicar como una práctica de espacialidad. Ella traza nuevos mapas que disuelven los límites políticos que organizan paradigmas, unifican lenguajes y crean piezas a partir de los excedentes descartados del capitalismo. Woodgate está interesada en las maneras en que la infraestructura, las herramientas y las tecnologías de la información reprograman la experiencia geográfica del diario vivir de las personas junto con su vida pública, y cómo el diseño junto con los ciudadanos pueden determinan las conjunciones en ello.

Los proyectos de Agustina Woodgate’s han sido comisionados por la Bienal del Museo Whitney del 2019, Nueva York; la IX Bienal de Berlín, la IV Bienal de Diseño de Estambul; New Terrains, The Bay Area; Bienal de las Américas, Denver; PlayPublik, Polonia; Peabody Essex Museum, Massachusetts, DC Commission on the Arts and Humanities, Washington, DC; The Bass Museum of Art, Miami; Art in Public Places, Miami; Kulturpark, Berlín y el KW Institute for Contemporary Art, entre otros.

HERLITZKA + FARIA se dedica a la difusión, comercialización y proyección internacional del arte moderno, conceptual y contemporáneo latinoamericano.

Representamos una selección de destacados artistas que se encuentran en diversas etapas de sus carreras, y que desarrollan variados temas y técnicas. En esta línea, también ofrecemos obras de mercado secundario de otros artistas contemporáneos de la región, ampliando y dinamizando el programa de la galería.

En el marco de la demanda exponencial de obras de arte latinoamericano, nuestra galería ha contribuido a la formación y expansión de colecciones privadas e institucionales, incluyendo museos internacionales.

CANDELARIA TRAVERSO (Córdoba, Argentina, 1991) vive su niñez en la provincia andina de Juyuy, y regresa a su ciudad natal para continuar sus estudios en la Universidad Nacional de Córdoba, en donde se gradúa en Artes Visuales. Actualmente vive y trabaja en Catamarca, al pie de la cordillera de los Andes.

Continuando con las ideas de Josef Albers, César Paternosto y Alejandro Puente, quienes crearon sistemas geométricos y cromáticos estableciendo vínculos entre las civilizaciones Indoamericana y la contemporánea, Traverso se sumerge en la estética y cosmovisión Pre-Hispánica y, en un ejercicio dialéctico, la moldea en su propio arte. Estas prácticas simbólicas posicionan a Traverso entre los artistas latinoamericanos que abarcan una noción amplia de la historia y la tradición para enriquecer y desafiar nuestra percepción del presente.

Traverso encuentra inspiración en las ferias de los mercados cholos (pueblos nativos de Sudamérica) donde ropa usada proveniente de Estados Unidos y Europa, que es reprocesada en China y Corea, es vendida junto a vendedores de coca, comida regional, alimentos y remedios caseros. La artista utiliza la arpillera plástica con las que se envuelven los fardos de ropa que provienen de los distintos países, que tienen las marcas e inscripciones de todo el recorrido que hacen. En estas obras, la artista busca sumergirse en las prácticas y costumbres ancestrales del mundo Andino. Los resultados son piezas que reflejan sobre historias de intercambios, migraciones, sincretismo, comercio y múltiples temporalidades.

ISLA FLOTANTE comenzó como un espacio gestionado por artistas en 2012. Fue una mezcla de espacio de exposición y talleres de artistas. Una vez al mes dábamos una fiesta por lo que también era un lugar de encuentro y socialización muy importante. A lo largo de los años se convirtió en un punto medular de la escena artística de Buenos Aires, por su apuesta a mostrar artistas muy jóvenes y prometedores. En los años siguientes, la presencia de la galería en ferias internacionales contribuyó al crecimiento exponencial del proyecto,

cuyo núcleo sigue intacto: el espíritu de vanguardia joven y la convicción de la importancia de trabajar con artistas jóvenes que muestran inquietudes sobre una agenda que la propia galería como cuerpo orgánico siente la necesidad de subrayar: la autocrítica a las estrategias de legitimación, poder y circulación del mundo del arte, los problemas de género e identidad.

MARIELA SCAFATI (Buenos Aires, 1973) trabaja a partir de su formación como pintora y serigrafista, pero la técnica está siempre al servicio de una suerte de extraño vitalismo formal. Ya sea cuando cose retazos de tela para componer geometrías, cuando escribe afiches que amplían los mensajes de texto que había en su teléfono durante un período de militancia, o cuando traslada sus prácticas íntimas de bondage a la materialidad del cuadro, Scafati actúa sin transiciones, dándole a la obra carácter de cuerpo y de expresión. En sus obras siempre laten sus intereses más personales: el deseo, la calle, los otros. A través de esta falta de mediaciones, de la obra como acción directa, logra el difícil desafío de conectar sus experimentaciones formales con sus militancias privadas y políticas.

Si bien pasa gran parte de su tiempo trabajando de manera grupal y colaborativa, y participó activamente en dos de las iniciativas colectivas más relevantes de las últimas décadas en Argentina (la galería Belleza y Felicidad y el Taller Popular de Serigrafia), Mariela Scafati es también una artista singular.

Inaugurada en 2010 como un pequeño espacio alternativo, la Galería Nora Fisch se ha convertido hoy en uno de los puntos focales de interés y actividad dentro de la enérgica escena del arte contemporáneo de Buenos Aires, representando a algunos de sus artistas más emblemáticos. La galería presenta un dinámico programa de exhibiciones, propuestas caracterizadas por su interés conceptual y social, por su logro formal y su potencial relevancia para la historia del arte argentino. La galería participa en ferias internacionales de prestigio. Además de exhibiciones, presenta performances, conversaciones y eventos efímeros que convocan a la comunidad artística de Buenos Aires. La galería participa en ferias de arte internacionales como Frieze New York y ArcoMadrid. En 2014, la galería fue uno de los espacios pioneros en establecer un nuevo circuito del arte en el barrio de Villa Crespo. Nora Fisch es miembro fundador y de la comisión directiva de Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte.

ADRIANA BUSTOS (n. Bahía Blanca, Argentina, 1965) desarrolla una ambiciosa obra —constituida por diversos capítulos que tejen narrativas interconectadas— basada en la investigación y reflexión sobre fenómenos sociales e históricos que afectan las percepciones y la vida hoy. Ha abordado temas como el colonialismo y sus efectos, la construcción de lo femenino desde la mirada patriarcal, la censura y represión de ideas. Bustos recoge y archiva imágenes encontradas de fuentes diversas, cargadas de significados. Utiliza este repertorio de imágenes para construir sus diferentes series, combinándolos y generando nuevos significados en su yuxtaposición. El dibujo laborioso es central en su obra, como si las imágenes adquirieran una nueva carga energética a través del trabajo manual minucioso de la artista.

Bustos tiene una extensa trayectoria con más de 70 exhibiciones internacionales entre las que se encuentran la Bienal de Sharjah (2019); Cosmopolis II en el Centre Pompidou (2019), y el Dhaka Art Summit de 2020. Sus obras se hallan en las colecciones del Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA); el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; la Fundación Kadist, San Francisco; el Museo de Arte Contemporáneo de Medellín, Colombia; el Museo de Arte Contemporáneo de Lisboa; Fundación Asiacity, Singapur; la Fundación de Arte Sharjah, Emiratos Árabes, y la Colección del Banco de la República de Colombia.

PASTO es una galería y una plataforma de diseminación de arte contemporáneo latinoamericano. Con un espacio de exhibición en Buenos Aires que opera como base, PASTO excede sus propios límites físicos al acompañar a los artistas en el desarrollo de proyectos en otras instituciones, tanto a escala local como regional. En un país con un mercado en vías de desarrollo, asume su rol fundamental como plataforma de encuentro y difusión y emplea esa potencia para visibilizar prácticas y miradas divergentes. Se fomentan propuestas expositivas experimentales, instancias de diálogo con públicos diversos y el trabajo asociativo con otros agentes de la esfera artística. La programación incluye tanto exposiciones individuales como colectivas, proyectos curatoriales y de investigación.

PASTO participa de ferias nacionales e internacionales y apuesta especialmente al mercado regional con el objetivo de contribuir a la creación de lazos entre artistas, curadores, críticos y coleccionistas de América del Sur. PASTO, como un proyecto de crecimiento colectivo, se enfrenta a los desafíos de hoy en día para defender una propuesta contemporánea de calidad y para ser un espacio para la libertad creativa.

ERICA BOHM (n. Buenos Aires, 1976) es egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón. En el año 2009 fue becaria del Programa de Artistas y en 2012 del Laboratorio de Cine en la Universidad Torcuato Di Tella. Recibió la Beca de Creación Fondo Nacional de las Artes (2008 y 2017). En el año 2015 viajó al continente Antártico, a la Base Esperanza y Marambio; y en 2018 al Polo Norte, al archipiélago de Svalbard. En ambos viajes realizó varios proyectos en relación al paisaje para pensar nuevos modos de interactuar con la luz y el tiempo e investigar diferentes fenómenos naturales, atmosféricos y geomagnéticos.

Sus intereses giran también alrededor del imaginario sobre el espacio y sus múltiples representaciones: la historia de la conquista espacial, la construcción de la figura del astronauta como héroe del siglo XX, la circulación de las imágenes retratadas por las sondas de la más avanzada tecnología, la metáfora de la búsqueda del espacio exterior como escape de la realidad y, ante todo, la excusa para retratar el viaje que las imágenes hacen entre nosotros, hasta o desde nosotros.

Ha realizado muestras individuales y colectivas en diferentes instituciones y galerías, como ser, Queens Museum, New York; Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, Colombia; Fundación Proa, Buenos Aires; Museum of Contemporary Art, Chicago; MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; Museo Sívori, entre otras.

PIEDRAS nace en 2014 como una discoteca y espacio de proyectos dirigido por artistas y en 2015 se convierte en una galería comprometida con trabajar en un ámbito internacional y con la representación a largo plazo de artistas contemporáneos emergentes. Ubicados en un edificio de principios del siglo XX en el barrio de Once, Buenos Aires, representamos a un pequeño grupo de artistas de sólida y constante trayectoria, para quienes somos su primera galería. Contando con dos salas de exhibición, cada muestra está diseñada como un proceso abierto donde el carácter experimental del proyecto prima sobre su potencial comercial. El programa se planifica como un terreno dinámico, donde conviven una variedad de propuestas que a menudo ponen de manifiesto intereses ligados al género, a las economías neoliberales y al poder de la ficción en lo cotidiano. Desde 2016 la galería comenzó a participar en algunas ferias de arte internacionales como arteBA (Buenos Aires), Material (México), Liste (Suiza) y ARCO (España) entre otras.

JIMENA CROCERI (n. Buenos Aires, 1981) es una artista visual que trabaja con distintos medios. La práctica artística de Jimena Croceri (Buenos Aires, Argentina) se caracteriza por la intención y el experimento, por la resistencia y la fluidez. En un método de laboratorio que no es racional ni estéril sino más curioso que preciso, su trabajo consiste en varios elementos protagonistas: tiempo, oportunidad, colaboración, correlación y coincidencia— estos no disminuyen la autoría pero tampoco la colocan en primer plano. Producir conocimiento colectivo con otros a su alrededor (humanos y no humanos) es uno de los elementos trascendentales en su práctica artística de los últimos años. Utilizando tanto materiales cotidianos como elementos naturales, su trabajo explora puntos de flexibilidad entre gestos y rituales que se convierten en nuevos métodos para performánces, videos, dibujos, instalaciones o composiciones sonoras.

Residencias y premios recientes incluyen la beca de la fundación Pernord Ricard como artista residente de la Villa Vassilieff (París, Francia) en 2020, «Coincidencia» de Pro Helvetia en Suiza y FLORA ars + natura en Bogotá . Performances y exposiciones incluyen: Ausstellungsraum Klingental, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Centro de Artes Faena, Museo MUNTREF, Museo Sivori, entre otros.

ROLF ART, localizada en Buenos Aires desde el 2009 y fundada por Florencia Giordana Braun, se especializa en artes visuales contemporáneas de America Latina. La galería se concentra en obras que exploran la fotografía y sus límites. La selección de artistas atiende a la búsqueda en el arte contemporáneo de la unión indisoluble entre densidad crítica y valor estético, la unión (siempre en tensión) entre las estrategias formales y la profundidad conceptual. El perfil curatorial de la galería interpela la representación de la imagen de lo político en los límites de la fotografía, considerando el contexto social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte.

Estamos comprometidos con un selecto grupo de artistas contemporáneos Latinoamericanos consagrados y gestionamos su posicionamiento a nivel nacional e internacional. Sostenemos la producción y promoción de sus obras, proyectos y publicaciones tanto editoriales como audiovisuales. La misión de la galería es contribuir a la producción y apreciación del arte contemporáneo y empujar los límites de las artes visuales.

CRISTINA PIFFER (n. Buenos Aires, 1953) es una reconocida artista con una prominente posición en la escena del arte contemporáneo a nivel internacional, con estudios en arquitectura en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de Buenos Aires. El trabajo de Cristina Piffer propone reflexionar acerca de las tensiones que existen entre el discurso oficial y las voces silenciadas de los protagonistas de distintos episodios de la historia argentina del siglo XIX: los enfrentamientos entre unitarios y federales, la organización y constitución del Estado nacional y los procesos de concentración de la propiedad de las tierras productivas, tras el genocidio indígena durante la Conquista del Desierto, cuestionando asimismo el sentido que la historia oficial le ha dado a categorías como identidad, patria y nación. Su trabajo excava en los pliegues y sedimentaciones de la historia, interroga sus latencias reprimidas, sus reverberaciones contemporáneas. El pasado no constituye una instancia clausurada y definitiva, sino, por el contrario, un territorio abierto a la apuesta conflictual de un presente donde se libra la batalla por su interpretación.

Piffer participó en la II Bienal de Bahía Blanca (1997), en la III Bienal Iberoamericana de Perú (2002) y en la Bienal de San Pablo-Valencia, Valencia, España (2007). Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos tales como: el premio al Artista del año, Asociación de Críticos de Arte (2002) y el Diploma de Honor, categoría objetos, Premios Konex, (2002), Beca del Fondo Nacional de las Artes (2001), Mención del jurado del Premio Banco de la Nación Argentina a las Artes Visuales 2000, y fue seleccionada como artista invitada para participar del Proyecto de Arte Público de Puerto Rico (2003), entre otros.

Desde su fundación en Buenos Aires en 1965, RUTH BENZACAR ha estado comprometida con la promoción del arte contemporáneo, enfocándose en la obra de artistas argentinos El calendario anual de la galería incluye 6 exhibiciones que tienen lugar en su espacio principal. En 2021 la galería renovó una propiedad adyacente e inauguró una segunda sala de exposiciones que permitirá albergar muestras adicionales.

Con el convencimiento de que el arte contemporáneo es un actor social y político importante en todos los contextos, Ruth Benzacar organiza y acoge otros eventos como conversaciones públicas, presentaciones de libros y performances que acompañan y enriquecen los contenidos de cada exposición.

Ruth Benzacar ha sido pionera en la inserción del arte latinoamericano en el escena mundial. También ha podido generar y mantener una fuerte presencia internacional debido a su participación constante en ferias de arte y sus conexiones de larga data con curadores, instituciones y coleccionistas de todo el mundo. Ruth Benzacar ha participado en ferias como ARCO Madrid (desde 1988) y Art Basel Miami Beach (desde 2001).

Sofía Durrieu nació en Buenos Aires, en 1980. Durrieu estudió Bellas Artes (Prilidiano Pueyrredón), Filosofía y Diseño Gráfico (UBA), sin terminar ninguna de ellas. En un momento determinado, comenzó a dedicar su tiempo y energía por completo al cuidado de su madre, quien se enfermó y también fue considerada una “paciente psiquiátrica de alta complejidad”. Ella cree que haber crecido en contacto con esa situación le permitió ver y experimentar el mundo tanto “desde” como “más allá” de las complejidades inherentes de la forma y las estructuras. En 2018, Durrieu se mudó a Basilea para asistir al programa de Maestría en Artes en el Institut Kunst FHNW HGK, del cual se graduó en agosto de 2020. Actualmente vive y trabaja entre Suiza y Argentina.

En los últimos años su práctica se ha centrado en la escultura, la instalación y la performance que tienden a proponer situaciones donde tanto las obras como las personas tienen que encontrarse para transformarse en una experiencia conjunta. En general, su trabajo trata de examinar dónde, entre los objetos, discursos y construcciones “estándar” de la conducta contemporánea y la vida doméstica, aparece la posibilidad de una ruptura, con el objetivo de empujar la percepción más allá de su condicionamiento funcional. Los problemas relacionados con la funcionalidad y la violencia inherente al código del paradigma orientado a la eficiencia suelen estar presentes. Los objetos, sistemas y categorías cotidianos se extraen de los contextos que les dan significado y sus atributos se utilizan para propósitos inciertos: acciones coherentes conducen a resultados no lógicos, donde la lógica binaria de los opuestos no se sostiene.

Sus exposiciones individuales incluyen Magenmund (performance, Palazzina, 2019, Basilea), Remote Control (Pasto Galería, 2018), Strange body (Sputnik, 2016), Cómo disolver una piedra (Mundo Dios, Mar del Plata, 2015). Algunas performances fueron, Outoforder (Kunsthaus Baselland, 2020), Caryatid (2019, Kasko, Basel, Suiza), Puppet-me (2018, Ruth Benzacar y 2019, Arco Madrid), Corrida (2017, CCK, comisario Rodrigo Alonso), Afirmación (2016, Teatro Nacional Sarmiento).