I ♥ Buenos Aires

BARRO est une galerie d’art contemporain qui travaille à la représentation, au positionnement et à la commercialisation d’importants artistes argentins contemporains, considérés comme des pionniers de l’art contemporain qui ont réussi à se forger une carrière de premier plan au niveau local et international. La galerie, établie à Buenos Aires et à New York, a son espace principal à La Boca (quartier artistique de Buenos Aires), dans un important entrepôt de style industriel et d’esthétique portuaire de plus de 400 mètres carrés : le cadre idéal pour le développement des propositions artistiques les plus risquées et contemporaines.

Barro a ouvert ses portes en 2014 et a organisé plus de vingt-cinq expositions. La galerie a participé à des foires nationales et internationales telles que Art Basel (Basel et Miami Beach), Frieze (New York), ARCOmadrid (Madrid) The Armory Show (New York), Contemporary Istanbul (Istanbul), Art Dubai (Dubai), Proyectos LA (Los Angeles), artBO (Bogota), et arteBA (Buenos Aires).

AGUSTINA WOODGATE (Buenos Aires, 1981) est une artiste et chercheuse qui étudie les espaces publics et civiques par le biais de pratiques situées. Elle se concentre sur l’étude de systèmes, les théories de valeurs et les logiques de conception opérant dans l’envrionnement bâti qui façonne la société. Elle vit et travaille entre Miami et Amsterdam.

Des projets comme Concrete poetry et Radioee.net prennent la forme d’investigations urbaines à partir de l’édition en tant que pratique spatialisante. Elle crée de nouvelles cartographies en dissolvant les limites politiques qui organisent les paradigmes, unifient les langages et créent des oeuvres à partir des excédents abandonnés du capitalisme. Elle s’intéresse à la façon dont les infrastructures, les outils et les technologies de l’information reprogramment la géographie et l’expérience quotidienne de la vie publique, et réfléchit à la façon dont le design et les citoyens peuvent façonner les conjonctions qui en découlent.

Les projets d’Agustina Woodgate ont été commandés par la Biennale de Whitney 2019, New York; la IXème Biennale de Berlin, la IVème Biennale de Desing d’Istanbul; New Terrains, The Bay Area; la Bienal de las Américas, Denver; PlayPublik, Poland; Peabody Essex Museum, Massachusetts, DC Commission on the Arts and Humanities, Washington, DC; le Bass Museum of Art, Miami; l’Art in Public Places, Miami; le Kulturpark, Berlin et le KW Institute for Contemporary Art.

HERLITZKA + FARIA se concentre sur la diffusion, le commerce et la promotion de l’art moderne, conceptuel et contemporain latino-américain.

Nous représentons une sélection d’artistes distingués, à divers stades de leur carrière, qui détiennent un corpus d’oeuvres varié, tant au niveau des thèmatiques que des pratiques. Dans ce sens, nous proposons également des oeuvres de second marché d’autres artistes contemporains de la région afin d’élargir et d’enrichir le programme de la galerie.

Grâce à la forte demande d’oeuvres d’art latino-américaines, notre galerie a contribué à former et à élargir des collections privées et institutionnelles, y compris des musées internationaux.

CANDELARIA TRAVERSO (Córdoba, Argentine, 1991) a passé son enfance dans la province des andes de Jujuy, et est retournée dans sa ville natale pour poursuivre ses études à l’Universidad Nacional de Córdoba, où elle a obtenu un diplôme en arts visuels. Elle vit à Catamarca, au pied de la cordillère des Andes.

Poursuivant les idées de Josef Albers, César Paternosto et Alejandro Puente, qui ont créé des systèmes de motifs géométriques et chromatiques établissant des liens entre les civilisations indo-américaines et l’époque contemporaine, Traverso s’immerge dans l’esthétique et le cosmovision préhispanique et, dans un exercice dialectique, les apporte et les remodèle dans sa propre démarche. une telle pratique symbolique place Traverso parmi les artistes latino-américains qui embrassent une notion expansive de l’histoire et de la tradition pour enrichir et défier notre perception du présent.

Traverso trouve son inspiration dans les foires de rue des marchés de Cholo (peuple andin originaire d’Amérique du Sud) où des vêtements usagés provenant des Etats-Unis et d’Europe, retraités en Chine et en Corée, sont généralement vendus dans le contexte de vendeurs de feuilles de coca, de nourriture régionale, d’épicerie locale et de remèdes. L’artiste utilise la toile de jute en plastique qui enveloppe les ballots et retrace le parcours de ces vêtements grâce aux tampons et aux lettres imprimées sur sa surface. Avec ces oeuvres, l’artiste cherche à s’immerger dans les pratiques et les manières d’habiter le monde qui remontent aux temps anciens des Andes. Les résultats sont des pièces qui reflètent des histoires d’échanges, de migrations, de syncrétisme, de commerce et de temporalités multiples.

ISLA FLOTANTE a débuté comme artist runspace en 2012. Il s’agissait d’un mélange d’ateliers d’artiste et d’espaces d’exposition. Une fois par mois, nous donnions une fête, c’était donc aussi un lieu de rencontre et de socialisation très important. Au cours des ans, le lieu est devenu un point de convergence de la scène artistique de Buenos Aires, en raison de son engagement à exposer de très jeunes artistes prometteurs. Les années suivantes, la présence de la galerie dans les foires d’art internationales a contribué à la croissance exponentielle du projet.

Le coeur même du projet est toujours intact : l’esprit d’avant-garde et la conviction de l’importance de travailler avec de jeunes artistes qui manifestent des préoccupations sur un programme que la galerie elle-même, en tant que corps organique, ressent le besoin de souligner : l’autocritique des stratégies de légitimation, de pouvoir et de circulation du monde de l’art ainsi que les problèmes de genre et d’identité.

MARIELA SCAFATI (Buenos Aires, 1973) travaille à partir de sa formation de peintre et de sérigraphe, mais les techniques sont toujours au service d’une sorte d’étrange vitalisme formel. Lorsqu’elle coud des morceaux de tissu afin de composer des géométries, lorsqu’elle écrit des affiches qui font exploser les messages de son téléphone pendant une période d’activisme, ou lorsqu’elle transfère ses pratiques de bondage intime à la matérialité de la peinture, Scafati agit sans transitions, elle donne corps et expression à l’oeuvre d’art. Dans ses oeuvres, ses intérêts les plus personnels sont omniprésents : le désir, la rue, les autres. Grâce à cette absence de médiation, grâce à l’oeuvre en tant qu’action directe, elle réussit le difficile défi de relier ses expérimentations formelles à son activisme privé et politique.

Bien qu’elle passe la plupart de son temps à travailler en groupe ou en collaboration et qu’elle ait joué un rôle actif dans deux des initiatives collectives les plus pertinentes de ces dernières décennies en Argentine (la galerie Bellezy y Felicidad et le Taller Popular de Serigrafía), Mariela est aussi une artiste unique.

Depuis l’ouverture en 2010 —alors un petit espace alternatif — la NORA FISCH GALLERY s’est imposée comme l’un des pivots de la scène artistique contemporaine de Buenos Aires, exposant certains de ses artistes les plus emblématiques. La galerie présente un programme dynamique d’expositions sélectionnées pour leur substance conceptuelle, leur pertinence sociale, leur accomplissement formel et leur importance historique potentielle. En plus des expositions, elle présente également des performances, des conférences et d’autres évènements éphémères qui attirent la communauté artistique locale. La galerie a participé à des foires internationales telles que Frieze New York et ArcoMadrid. En 2014 elle a été le pionnier d’un nouveau quartier artistique à Buenos Aires, Villa Crespo. Nora Fisch est membre fondateur et membre du conseil d’administration de Meridiano, la Chambre des galeries d’art contemporain en Argentine.

ADRIANA BUSTOS (Bahia Blanca, Argentine, 1965) est une artiste multidisciplinaire dont la démarche est soucieuse de revisiter l’histoire et les phénomènes sociaux. Elle s’attache à trouver des images qui incarnent des sujets tels que le colonialisme et ses effets, le regard patriarcal et la censure. En les recontextualisant par le biais de la juxtaposition et du montage, elle entend remettre en question la manière dont la connaissance historique a été construite et comment elle affecte nos perceptions aujourd’hui. Le dessin laborieu est au centre de sa pratique artistique, comme un moyen de changer symboliquement la charge énergétique des images par le travail manuel de l’artiste.

Bustos a présenté son travail dans plus de 70 expositions, dont les plus récentes sont la Sharjah Biennial 2019; Cosmopolis 2 au Centre Pompidou, 2019 et le Dhaka Art Summit, 2020. Ses oeuvres sont présentes dans de nombreuses collections publiques dont le Museum of Modern Art of Buenos Aires; Museum Reina Sofía, Madrid; Kadist Foundation, San Francisco; Museum of Contemporary Art of Medellín; Museum of Contemporary Art of Lisbon; Asiacity Foundation, Singapore; Sharjah Art Foundation, Emirates and Banco de la República de Colombia.

PASTO est une galerie et une plateforme de diffusion de l’art cotemporain latino-américain. Disposant d’un espace d’exposition à Buenos Aires, elle dépasse ses limites physiques en accompagnant les artistes dans le développement de projets dans d’autres institutions, tant au niveau local que régional. Dans un pays dont le marché est en développement, il assume son rôle fondamental de plateforme de rencontre et de diffusion et utilise ce potentiel pour donner de la visibilité à des pratiques et des idées divergentes. Les propositions expérimentales, l’intéraction avec différents publics et le travail associatif avec d’autres acteurs de la sphère artistique y sont encouragés. Le programme comprend des expositions individuelles et collectives, des projets curatoriaux et de recherche.

PASTO participe à des foires nationales et internationales et se concentre particulièrement sur le marché régional dans le but de contribuer à la création de liens entre artistes, curators, critiques et collectionneurs d’Amérique du Sud. PASTO, en tant que projet de croissance collective, relève les défis d’aujourd’hui pour maintenir une proposition contemporaine de qualité et être un espace de liberté créative.

ERICA BOHM (Buenos Aires, 1976) est diplômée de l’école nationale des Beaux-Arts Prilidiano Pueyrredón. En 2009 elle a été boursière du Artists Program et en 2012 du Film Laboratory à la Torcuato Di Tella University. Elle a reçu le National Fund for the Arts Creation Grant (2008 et 2017). En 2015 elle s’est rendue sur le continent antartique, à la base d’Esperanza et de Marambio et, en 2018, dans l’archipel du Svalbard, au pôle Nord. Au cours des deux voyages, elle a réalisé plusieurs projets en relation avec le paysage afin de réfléchir à de nouvelles façons d’interagir avec la lumière et le temps et d’étudier différents phénomènes naturels, atmosphériques et géomagnétiques.

Elle s’intéresse également à l’imaginaire de l’espace et à ses multiples représentations: l’histoire de la conquête spatiale, la construction de la figure de l’astronaute comme héros du XXème siècle, la circulation des images véhiculées par les sondes technologiques les plus avancées, la métaphore de la recherche de l’espace comme échappatoire à la réalité et, surtout, le prétexte pour représenter le voyage que les images font entre nous, vers nous ou à partir de nous.

Elle a réalisé des expositions individuelles et collectives dans différentes institutions et galeries, telles que Queens Museum, New York; Museum of Contemporary Art of Bogotá, Colombia; Proa Foundation, Buenos Aires; Chicago Museum of Contemporary Art; MAMBA, Museum of Modern Art of Buenos Aires; Sívori Museum.

PIEDRAS débute sous la forme d’un artist runspace et une discothèque en 2014 et devient une galerie en 2015 engagée à travailler sur une scène internationale et à représenter à long terme des artistes contemporains émergents. Situés dans un bâtiment du début du 20ème siècle dans le quartier de Once, Buenos Aires, nous représentons un petit groupe d’artistes à la carrière solide et constante, pour lesquels nous sommes leur première galerie. Disposant de deux salles d’exposition, chaque exposition est conçue comme un processus ouvert où la nature expérimentale du projet prévaut sur son potentiel commercial. Le programme est prévu comme un domaine dynamique, incluant des propositions qui montrent souvent des intérêts liés au genre, aux économies néolibérales et au pouvoir de la fiction dans la vie quotidienne. Depuis 2016 la galerie a commencé à participer à certaines foires internationales telles que arteBA (Buenos Aires), Material (Mexique), Liste (Suisse) et ARCO (Espagne).

JIMENA CROCERI (Buenos Aires, 1981) est une artiste multidisciplinaire. Sa pratique artistique se caractérise par l’intention et l’expérimentation, la résistance et la fluidité. Dans une méthode d’expérimentation qui n’est ni rationnelle ni sterile, plutôt curieuse que précise, son travail se compose de divers éléments qui sont tous protagonistes : le temps, le hasard, la collaboration, la corrélation et la coïncidence – ils ne diminuent pas l’autonomie mais ne la mettent pas non plus en avant. La production de connaissances collectives avec ceux qui l’entourent (humains et non-humains) a été déterminante pour sa pratique au cours des dernières années. Utilisant à la fois des matériaux quotidiens et des éléments naturels, son travail explore les points de flexibilité entre les gestes et les rituels qui sont devenus de nouvelles méthodes pour les performances, les vidéos, les dessins, les installations ou les compositions sonores.

En 2020, l’artiste reçoit la bourse Pernord Ricard afin d’assister à la résidence de la Villa Vassileff (Paris,France), et participe à «Coincidencia» de Pro Helvetia en Suisse et FLORA ars+natura (Bogotá, Colombia). Ses performances et expositions incluent notamment Ausstellungsraum Klingental, Buenos Aires Museum of Modern Art, Buenos Aires Museum of Contemporary Art, Faena Art Center, MUNTREF Museum, Sivori Museum.

ROLF ART, situé à Buenos Aires et fondé par Florencia Giordana Braun en 2009, se concentre sur les arts visuels contemporains d’Amérique latine. La galerie présente des oeuvres qui explorent le medium photographique et ses limites. La sélection d’artistes considère des pièces présentant une union inextricable entre densité critique et valeurs esthétiques, la relation entre stratégies formelles et profondeur conceptuelle étant toujours en conflit. Le profil curatorial de la galerie remet avant tout en question le contexte politique et la représentation de ce qui est considéré comme une image politique dans les limites du medium photographique. Elle considère également le contexte social et économique de la production artistique et le comprend comme un facteur déterminant pour l’interprétation de l’art.

La galerie se consacre à un groupe restreint d’artistes latino-américains contemporains établis, en les présentant sur une base nationale et internationale, et en soutenant leur production artistique ainsi que des projets éditoriaux et audiovisuels. La mission de la galerie est de promouvoir l’appréciation de l’art contemporain et de repousser les limites des arts visuels.

CRISTINA PIFFER (Buenos Aires, 1953) est une artiste reconnue qui occupe une place importante sur la scène internationale de l’art contemporain. Elle a étudié l’architecture à l’Architecture University of Buenos Aires. Son travail propose de réfléchir aux tensions qui existent entre le discours officiel et les voix réduites au silence des protagonistes de différents épisodes de l’histoire argentine du XIXe siècle : les affrontements entre unitariens et fédéraux, l’organisation et la constitution de l’État national et les processus de concentration de la propriété des terres productives, après le génocide indigène pendant la conquête du désert, en remettant également en question le sens que l’histoire officielle a donné à des catégories telles que l’identité, le pays et la nation. Son travail creuse les plis et les sédimentations de l’histoire, interroge ses latences refoulées, ses réverbérations contemporaines. Le passé ne constitue pas une instance fermée et définitive, mais, au contraire, un territoire ouvert au pari conflictuel d’un présent où se joue la bataille pour son interprétation.

Piffer a participé à la Biennial II of Bahía Blanca (1997), à la 3ème Iberoamerican Biennial of Peru (2002) et à la Biennial of San Pablo-Valencia (2007). Elle a été récompensée par plusieurs prix et reconnaissances tels que: the Artist of the Year Award, Art Critics Association (2002) et le Diploma of Honor, category objects, Konex Awards, (2002), Fondo Nacional de las Artes Grant (2001), Mention of the jury of the Banco de la Nación Argentina Award for Visual Arts (2000), et a été sélectionnée comme artiste invité au Public Art Project of Puerto Rico (2003).

Depuis sa fondation à Buenos Aires en 1965, RUTH BENZACAR s’est engagées dans la promotion de l’art contemporain, en se concentrant sur le travail produit par les artistes argentins. Le calendrier annuel de la galerie comprend six expositions qui ont lieu dans l’espace principal de la galerie. En 2021, la galerie a rénové une propriété adjacente et inauguré une deuxième salle d’exposition qui lui permettra d’accueillir des événements supplémentaires.

Convaincue que l’art contemporain est un acteur social et politique important dans tous les contextes, Ruth Benzacar organise et accueille d’autres événements tels que des conversations publiques, des présentations de livres et des performances qui accompagnent et enrichissent le contenu de chaque exposition.

Ruth Benzacar a été une pionnière dans l’insertion de l’art latino-américain sur la scène mondiale. Elle a également pu générer et maintenir une forte présence internationale grâce à sa participation constante aux foires d’art et à ses relations de longue date avec des conservateurs, des institutions et des collectionneurs du monde entier. Ruth Benzacar a participé à des foires comme ARCO Madrid (depuis 1988) et Art Basel Miami Beach (depuis 2001).

SOFÍA DURRIEU (Buenos Aires, 1980) a étudié la philosophie et le design graphique (UBA) aux Beaux-Arts Prilidiano Pueyrredón. A un moment donné, elle consacre tout son temps et son énergie à s’occuper de sa mère, qui tombe malade et est également considérée comme un “patient psychiatrique à haute complexité”. Elle pense que le fait de grandir au contact de cette situation lui a permis de voir et d’expérimenter le monde à la fois “à partir” et “au-delà” des complexités inhérentes aux formes et aux structures. En 2018, Durrieu a déménagé à Bâle pour suivre le programme de maîtrise des arts à l’Institut Kunst FHNW HGK, dont elle a obtenu le diplôme en 2020. Elle vit et travaille actuellement entre la Suisse et l’Argentine.

Ces dernières années, sa pratique s’est concentrée sur la sculpture, l’installation et la performance qui tendent à proposer des situations où les oeuvres et les personnes doivent se rencontrer pour se transformer en expérience commune. De manière générale, son travail tente d’examiner où, parmi les objets, les discours et les constructions “standard” du comportement contemporain et de la vie domestique, apparaît la possibilité d’une rupture, dans le but de pousser la perception au-delà de son conditionnement fonctionnel. Les questions concernant la fonctionnalité et la violence inhérente au code du paradigme orienté vers l’efficacité sont souvent présentes. Les objets, systèmes et catégories du quotidien sont extraits des contextes qui leur donnent un sens et leurs attributs sont utilisés à des fins incertaines : des actions cohérentes conduisent à des résultats non logiques, où la logique binaire des opposés ne tient pas.

Son travail a fait l’objet de plusieurs expositions personnelles telles que Magenmund (performance, Palazzina, 2019, Basel), Remote Control (Pasto gallery, 2018) , Strange body (Sputnik, 2016), How to dissolve a stone (Mundo Dios, Mar del Plata, 2015). Elle a réalisé plusieurs performances telles que Outoforder (Kunsthaus Baselland, 2020), Caryatid (2019, Kasko, Basel), Puppet-me (2018, Ruth Benzacar and 2019, Arco Madrid), Corrida (2017, CCK, curator Rodrigo Alonso), Affirmation (2016, Sarmiento National Theater).